Bocetos Para Sentir Mejor Sobre el Futuro

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Katie Swietlik es una artista visual que se dedica principalmente a la fotografía. Aunque es originaria de Chicago,  Oaxaca es su segundo hogar. Hace unos días nos reunimos con Katie para hablar acerca de la exhibición que actualmente pueden encontrar en Convivio.

Podríamos empezar a hablar sobre el nombre de tu evento, Sketches to Feel Better about the Future (“Bocetos Para Sentir Mejor Sobre el Futuro”). ¿Quién esperas que se sienta mejor? ¿Te quieres sentir mejor haciendo la exhibición o esperas que el espectador se sienta mejor al verla?

En cuanto a quiénes espero que se sientan mejor es definitivamente un poco de ambas. Cuando en Convivio me pidieron que hiciera una exhibición fue poco después de que Trump tomara el cargo de presidente de E.U. y yo me sentía aturdida. Me sentía inmóvil, como si no pudiera hacer nada, no sólo crear, incluso me costaba trabajo levantarme del sillón, separarme de los noticieros. La propuesta de la exhibición se sintió como una oportunidad de ponerme una meta y forzarme un poco a ser productiva. No era una opción, tenía que enfrentar lo que pasaba conmigo tanto política como emocionalmente.

Comencé a pensar acerca de la pieza el “cubo”, que era la principal. Es parte del proyecto 500, en donde Jen y Gary (los fundadores de Convivio) invitan artistas a crear obras de arte dentro del “cubo”, el tragaluz que está a la entrada del espacio.  A los artistas invitados se les dan 500 pesos y libertad para hacer lo que quieran dentro del espacio. Mi reacción inmediata fue pensar en el espacio y en el hecho de que hay una pared muy grande, está abierto en los tres lados, rodeado de ventanas y atrás está la pared de piedra. Con toda la indignante retórica de Trump con la que hemos sido bombardeados sobre “el gran muro” pensé en simplemente abrir el muro, rompiendo la estructura de la pared con un pedazo del cielo, que es un simbolismo universal de libertad. Después el título llegó solo, al usar el proceso creativo para lidiar con los tiempos actuales y, de cierta forma, liberar la atadura que estos ejercían sobre mí.  

Pensé que el trabajo se sentiría más enojado de lo que parece, hay un poco de enojo y frustración, pero el resto es un poco más sobre dejarse llevar e intentar sentirse mejor, vencer o permanecer fuerte a pesar de todo, tratar de resistir. Creo que experimento todos estos sentimientos de manera cotidiana. Entre toda mi indignación y resentimiento hay veces que me siento paralizada, impotente y desanimada, y hay ocasiones cuando siento que este es un momento histórico en donde el cambio constructivo pasará cuando finalmente nos unamos y busquemos el bien común. Diría que eso es un poco la peor parte en este momento. A veces siento mucha esperanza y siento que las cosas son positivas, de cierta manera y  a pesar de todo. También hay días en los que simplemente me pregunto … “¡¿cómo?!”

A propósito, también para tocar el tema de que el título es Sketches o “Bocetos Para Sentir Mejor Sobre el Futuro”. Siempre pienso mucho –quizá demasiado- sobre mi trabajo, incluso antes de crearlo. Me quedo trabada en esta reflexión de procesar demasiado una idea, sobrepensarla, y en ciertas ocasiones termino dudando o me convenzo de no hacerlo. Ponerme el reto de producir este evento en un periodo corto de tiempo y con poco presupuesto fue una oportunidad para probar cosas nuevas, para ser más libre. Es por eso que sigo pensando en estas piezas como si fueran bocetos, como si fueran un primer borrador para un trabajo más desarrollado que podría darse en el futuro.

Hablemos sobre tu instalación del cielo. Mencionaste que usaste fotos de Flicker, así que me preguntaba acerca del proceso de selección de dichas fotos y  la forma de acomodarlas. Además, ¿cómo fue hacer una pieza en una escala tan grande?

En cuanto al proceso actual, me metí a Flicker y busqué cúmulos de nubes porque sabía que quería nubes grandes, esponjosas, idílicas; la imagen más positiva del cielo que se te pueda ocurrir. Busqué las imágenes más grandes disponibles en la licencia de bienes comunes creativos, por lo que tenía permiso de usarlas. La mayoría son imágenes de paisajes, así que descargué las que pensé que funcionarían y les corté el cielo. Hay diferentes tipos de formas. Juntarlas fue divertido porque normalmente hacer post producción de alguna imagen mía en photoshop es un proceso de trabajo muy estándar, pero con esto tuve la oportunidad de jugar con herramientas que raramente uso.  Fue divertido porque no tenía que ser perfecto, me sentí más libre.

Me gusta que cuando ves esta imagen del cielo te puedes dar cuenta que no es solamente una foto. Hay nubes de diferentes tamaños, tonos un poco diferentes, la luz viene de diferentes direcciones; pero, al mismo tiempo, hay algunos espectadores que lo toman como una  proyección impactante del cielo. La razón para apropiarme de las fotos, independientemente de la cuestión logística de necesitar una imagen muy grande, es que el cielo es universal; es el epitome de la omnipresencia. No sentí que necesitara otra imagen del cielo; ya existen muchas y nos pertenecen a todos.

En cuanto al tamaño… ¡fue una locura! Nunca entendí la magnitud de la escala hasta que la recogí de la imprenta, la llevé a la terraza y la desenrollé, estaba como: “¡Así es como se ven 7 metros, woow!”. Fue muy emocionante.

¿Te inspiró a trabajar más seguido con esas escalas?

Definitivamente quiero seguir explorando el trabajo a gran escala. Durante mucho tiempo he querido imprimir en lonas porque es un material comercial, industrial barato y durable que se usa constantemente en la fotografía de diferentes maneras. Durante la instalación estuve caminando sobre él y arrastrándolo por el piso y se conservó perfectamente bien. Es a prueba de agua, que es justamente  lo bonito de usarlo en ese espacio y lo que lo hace ideal para las instalaciones al aire libre.  Trabajar en esa escala es interesante porque nunca sabes qué va a pasar hasta que estás en el proceso de hacerlo, así que fue emocionante para mí porque normalmente mi trabajo es mucho más sencillo. Normalmente veo la imagen en mi computadora y sé cuál será el tamaño en el que lo voy a imprimir; se imprime, se enmarca y eso es todo. El resultado final no es extremadamente diferente a lo que ví en la pantalla de la computadora. Ese no fue el caso de esta pieza, el proceso me lleno de suspenso, mientras que el resultado fue muy satisfactorio.

“Bleeding and Angry” – Katie Swietlik

La pieza #angryandbleeding (“#sangrandoyenojada”) transmite enojo, mientras que el resto no tanto. Regresando a tu título,  ¿nos podrías hablar de la necesidad de que haya belleza y enojo con respecto a  cómo sentirse mejor sobre el futuro?

La imagen de mi dedo medio sangrando es muy directa y gráfica, y se siente un poco agresiva.  El enojo es una emoción válida y es importante encontrar una forma productiva de lidiar con él. No es algo que deberíamos callar, como tampoco lo es nuestra sangre menstrual. A veces pienso que como mujer, especialmente en México, no existe el espacio para que las mujeres seamos agresivas.

Eso me lleva a la pieza de la chamarra de mezclilla , la cual aborda algo que pienso seguido como persona no hablante del español: la idea del lenguaje y la masculinidad, el rol de las palabras masculinas en el español mexicano. Un día me vino a la mente, si “bien verga” es una expresión tan común, “bien vulva” tiene sólo tres letras de diferencia. Tres letras diferentes, pero todo un género, ¿por qué no podría tener el mismo significado? Es chistoso para mí que haya decidido bordarla en mi vieja chamarra de mezclilla favorita, porque aparentemente no soy una persona agresiva. No soy particularmente grosera y es poco probable que yo utilice la frase en mi propio idioma. Usar “bien vulva” en toda mi espalda es, simultáneamente, un guiño sutil y una afirmación atrevida. Me hace preguntarme quién lo entenderá al ver estas dos palabras juntas, verlo como una expresión, una afirmación . ¿Quién va a darse cuenta? Porque pienso que si lo analizas es muy obvio, pero esta masculinidad en el español mexicano es tan común que quizá sea algo que simplemente es inconsciente, algo que nadie entienda o en lo que nadie piense. Estoy intrigada por ver qué tipo de reacciones suscitaré cuando la use.

Ebb & Flow: you can always count on the moon – Katie Swietlik

La siguiente pieza es Ebb & Flow: You Can Always Count on the Moon.  (“Fluctuaciones: Siempre puedes contar con la luna”) Me encantó el título y me preguntaba si nos podrías hablar de eso.

Bueno, la luna siempre estará sobre nosotros y siempre estará haciendo lo suyo.  A pesar de lo que esté pasando en la tierra, siempre estará sobre todos nosotros y el ciclo de la vida seguirá su curso. Siento que es una idea que le puede dar a cualquiera un poco de esperanza. Las cosas siempre continúan. Nos movemos hacia adelante y la vida es cíclica. Esto pasará… entre más pronto mejor.

En cuanto a las dos obras de la esquina, ¿nos podrías hablar sobre la selección de imágenes y del color naranja que elegiste?

Me gusta la manera en la que funciona el naranja para resaltar los tonos sutiles y cálidos que hay en las lunas fluctuantes, así como la forma en la que estas lunas son crecientes y menguantes. Los dos círculos del centro no son lunas, pero de cierta manera funcionan como un par de lunas llenas. La siguiente imagen (el círculo del centro a la derecha) es el pecho de mi perrita Huitla, es mi parte favorita de ella. Es la más gordita y la más deliciosa, su parte más bonita. Esa parte específica de su pecho es en donde sólo tiene unos cuantos pelos y justamente resultan ser  blancos, así que hay un elemento gráfico en ellos. Hice que esta foto estuviera incluída en el video que se proyecto durante la inauguración de la exhibición, y la sombra naranja que elegí como fondo viene del tomate que aparece en  otra foto que usé en el video.

Esta pieza, titulada Todo su corazón tiene sentido por sí misma. Esa fue  una de las cosas más bonitas de darme tanta libertad al trabajar en esta exhibición. Hice la imagen de la mano derecha para mi video y nunca tuve la intención de que fuera una pieza de dos dimensiones. Estaba apunto de imprimir la imagen para usarla en el video y viéndola en mi computadora cuando pensé: “voy a fotografiar la pantalla”, no tenía idea del porqué, simplemente me llamó la atención por alguna razón. Me gustaba este elemento digital de pixealeado que se dio,  así que también imprimí una copia de la foto de la pantalla.
Al recoger la impresión note que en la esquina aparecía el ícono de una lupa y me gustó este detalle sorpresa. Me encantó cómo se veían las dos fotos juntas y fue uno de esos momentos en los que simplemente me dejé llevar por la estética.   

“Flotar” – Katie Swietlik

En la obra en la que estás flotando me llamó la atención que tu cuerpo se ve muy tranquilo y sereno mientras flotas, pero el negro a tu alrededor es un contraste. ¿Podrías hablar sobre cómo decidiste rodear de negro la imagen de tu cuerpo?

La foto original soy yo flotando en la noche, así que desde el principio había un fondo negro. Es una foto instantánea de hace unos 6 o 7 años para serte honesta. No tengo idea de cómo me llegó a la cabeza mientras trabajaba en esta exhibición. Eso sí, supe que quería hacer una pieza en tela. Cuando recién se me ocurrió esta imagen, la idea original  era poner mi cuerpo flotando en un sólido fondo negro, casi como si yo emergiera de la tela. La llevé a la imprenta y me dijeron que sólo la podía imprimir en poliéster blanco, así que repensé toda la idea y decidí que quería que fuera mucho más parecido a una pintura. La imagen que originalmente tenía en mente era muy gráfica y fotográfica. Quería salir de mi zona de confort. Quería que se siguiera sintiendo como esta vastedad oscura pero, al mismo tiempo, que se sintiera menos asfixiante, dejar mi toque reflejado en la imagen. Con las pinceladas quise emular las formas de mi cuerpo, como se aprecia en las ondulaciones del agua.   

Self-Portrait with Mounting Worry – Katie Swietlik

¿Las fotografías de tu cuello tienen un título?

La fotografía real que utilice es una fotografía que se titula Self-Portrait with Worry (Autorretrato con Preocupación).  Es una fotografía que no  entro en mi selección para un proyecto en el que estuve trabajando hace tres años. La verdad es que es una fotografía que amo y me resultó difícil  descartarla cuando no funcionó en mi proyecto anterior. Cuando comencé a pensar en esta exhibición me pareció el momento perfecto para traerla de vuelta. Ahora se ha convertido en Self-Portrait with Mounting Worry “Autorretrato con preocupación creciente”.   Ese fue otro de los momentos en los cuales el proceso mismo me guió hasta la pieza final que ahora vemos en la obra.  Mi idea original era más como la  pieza de la izquierda, es decir, ir apilando la misma imagen hasta expandir considerablemente mi cuello y crear esta sensación de crecimiento, de construcción constante.  Las imprimí en una calcomanía y decidí que la mejor manera para dividirlas y pegarlas todas juntas era hacerlo del modo en que actualmente están dispuestas en el díptico de la derecha.

Al imprimirlas me gustó la manera en la que estaban por sí solas, muy simple y gráfica. Sin embargo, aún tenía la idea transmitir el amontonamiento y una presión o preocupación creciente, pero ahora quería hacerlo de un modo más ambiguo.  Fue una sorpresa imprimirlas y pensar “Oh, prácticamente ya está terminado”.  

¿Podrías describir la siguiente pieza y de qué se trata?

Es una imagen que es parte del proyecto “Autorretrato con preocupación”, y que tampoco fue incluida en mi selección final. En el proyecto original, la imagen se llamaba  “Autorretrato que deja salir lo mejor de mí”  y pensé que como fotografía funcionaba en este contexto. Nuevamente, transmite un poco de agresión, pero también la preocupación y esta sensación de sentirse abrumada.

Es un título interesante. En tus otras obras con imágenes repetidas se tiene la sensación de salirse, pero en esta obra, aunque las imágenes son repetidas, el hecho que la tinta  se haga  más fina te hace sentir que la obra  está disminuyendo en lugar de ir creciendo.

Esta pieza está hecha con fotocopias. La imagen de hasta arriba es una fotocopia de una versión más pequeña de mi fotografía, y luego una fotocopia de esa fotocopia, y así sucesivamente hasta que la imagen se encoge cada vez más. Se trata de la repetición de la misma foto y de la desaparición de la información, de no poder leer lo que la imagen es realmente y hacer que el observador se pregunte  ¿qué estaba ahí, qué pasó?”.  

Para mí, estas tres fotografías de plantas son las más conservadoras  de la exhibición. ¿Podrías contarnos sobre la intención de las fotos?

Definitivamente son muchísimo más conservadoras, o menos experimentales que el resto del trabajo. Son fotografías muy bonitas y directas de las plantas de mi casa. La imagen de la derecha, la del cactus saliéndose de su contenedor es algo que había querido fotografiar desde hace mucho tiempo, porque se siente como un símbolo de resiliencia. Tiene su recipiente pequeño y reciclado como maceta y se las ha arreglado para seguir creciendo  y salirse del espacio que se supone debería ocupar. Cada vez que veo esa planta siento que de alguna manera me anima y me pone el ejemplo. Es un bonito recordatorio de que debo perseverar .

Pusiste tu imagen #sangrandoyenojada en calcomanías y todo el dinero recaudado de esa venta irá al Fondo de Población de las Naciones Unidas. ¿Podrías platicarnos de ese fondo y por qué es tan importante para ti?

El Fondo de Población de las Naciones Unidas tiene la frase más bonita para definir su misión:  “Ofrecer un mundo en donde todo embarazo sea deseado, todo nacimiento sea seguro y todo el potencial de los jóvenes sea alcanzado”   Hacen mucho por la salud de las mujeres y me pareció una puerta que engloba todas las causas que similares. Actualmente hay muchas organizaciones que pueden beneficiarse de nuestras donaciones, pero que puede resultar un poco abrumador decidir cuál apoyar. Personalmente, es importante que las organizaciones que apoyo tengan un impacto en los dos países que considero mi hogar, y el Fondo de Población de las Naciones Unidas trabaja en los dos: México y Estados Unidos, así como en otros 150 países alrededor del mundo.

Por último, pero no por eso menos importante, sé que tuviste tu inauguración el 14 de abril, pero ¿podrías darnos decirnos dónde se encuentra tu trabajo, cuándo se puede ver y cuánto tiempo estará expuesta la exhibición?

Sí. Por favor vengan a Convivio (Avenida Juárez #805, Centro), está abierto todos los días de 9am-8pm. El evento estará todo junio, hasta un poco antes de la Guelaguetza. Cualquiera que esté interesado en una visita guiada me puede contactar directamente en mi sitio web: www.katieswietlik.com.

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